Rondando Almería estaremos, los días 6,7 y 8 de Junio dándolo todo.

El Alamo Drafthouse es un cine ambulante a partir del próximo mes de Junio irá proyectando películas en los lugares donde originalmente fueron rodadas. De ahí que vayan a parar a Almería con Tarantino presentando una de las tres de la trilogía del Dolar; Por un Puñado de Dólares, Por unos Dólares más y El Bueno el Feo y el Malo.

# POR UN PUÑADO DE DÓLARES en Cortijo El Sotillo (San José, Almeria)
@ Rolling Roadshow
* Viernes, 6 de Junio, 2008
A las 2030

# POR UNOS DÓLARES MÁS en Los Albaricoques (Almeria)
@ Rolling Roadshow
* Sábado, 7 de Junio, 2008
A las 2030

# EL BUENO, EL FEO Y EL MALO en Almeria
@ Rolling Roadshow
* Domingo, 8 de Junio, 2008
A las 2030

Más información:Original Álamo
Alojamiento en la Zona: Cabodegata-nijar.com

También lo comentan en el blog de Nacho Vigalondo y en TarantinoSpain anuncian la asistencia de Tarantino a una de las tres películas.

Nos vemos en Almería y para los que no vayan traeré una aburrida crónica digna de Patty y Selma con videos, fotos y un abultado texto lleno de mentiras e historias exageradas.

Hoy os presentamos un especial sobre No es Pais para Viejos escrito a tres bandas por Mario, Patrick y Javi. Comenzaremos el especial con una crítica de Mario seguida de la opinión sobre la película y su significado de Patrick y Javi.

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En cuanto al nazismo, El triunfo de la voluntad (Leni Riefenstahl, 1935) es una película terriblemente sorprendente y ejecutada con maestría por Leni Riefenstahl. Muestra la unión sin fisuras del partido nazi. Cuando en el filme -documental pro-nazi- se habla de la paz, se habla de la paz dentro del partido. El objetivo fundamental en el que hace hincapié el nuevo jefe de las SA L. Feuchtwanger, es transmitir que son la patria de todos los alemanes del mundo. Marc Ferro (teórico del cine) dice que el triunfo de la voluntad y los valores horribles que transmite ‘’significan la imagen invertida de la República de Weimar” (régimen político anterior al nazismo que tuvo lugar en Alemania tras su derrota en la 1ª Guerra Mundial). En el film se observa un culto al líder carismático (Hitler).

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“- Estoy orgulloso. La escribí, la dirigí, y actué en ella.

Como Orson Welles en Ciudadano Kane

-Sí, pero él no se ponía jerseys de angora”

Recién estrenada Sweeney Todd. El barbero diabólico de la calle Fleet, parece el momento de volver nuestra mirada a la obra de uno de los grandes cineastas aparecidos a finales del siglo XX, Tim Burton. Enfant terrible del nuevo Hollywood, director de culto, es venerado por legiones de seguidores por su personalísima visión del cine, medio que ha utilizado para volcar todas sus inquietudes, extrañas y morbosas, pero siempre desde una postura poética y, en ocasiones bellísimas, en un universo propio donde domina la muerte, el amor, lo extraño, todo aquello que se aparta de lo cotidiano. No dejó a nadie indiferente con sus dos primeros cortometrajes, Vincent y Frankenweenie, revisitación el primero de las viejas películas de Vincent Price sobre Edgar Allan Poe, y el segundo sobre el mito de Frankenstein, siempre bajo la perspectiva de niños “especiales”, muy parecidos al propio Burton. Sus dos primeros filmes, y especialmente el segundo, ya dejaron constancia de un estilo propio: La gran aventura de Pee Wee (Pee Wee´s big adventure, 1985), y Bitelchús (Beatlejuice, 1988). Su gusto por lo oscuro, lo tenebroso, y lo gótico hacían de él el mejor candidato para dirigir la adaptación cinematográfica de Batman (1989), así como su primera secuela, Batman vuelve (1992), todavía hoy las mejores de la serie por su atmósfera gótica y su particular sentido del humor. Entre ellas dirigió su primera obra maestra, Eduardo Manostijeras (Edward Scissorhands, 1990), y quizá el paradigma de sus obsesiones. Después vendrían Pesadilla antes de Navidad (The nightmare before Christmas, 1993), maravillosa obra de animación, esta Ed Wood (1994), el homenaje a las películas de marcianos de los 50 Mars Attacks! (1996), y la deliciosa Sleepy Hollow (1999). El nuevo milenio nos trae a un Burton más irregular, quizá excesivamente acomodado en los grandes estudios (pese a su condición de artista, que lo es, siempre ha gozado de un mayor o menor apoyo de la industria hollywoodiense), entregando bazofias como el remake de El planeta de los simios (Planet of apes, 2001), o la aburrida Charlie y la fábrica de chocolate (Charlie and the chocolate factory, 2005), pero también otra obra maestra, la bellísima Big Fish (2003), o las estupendas La novia cadáver (The corpse bride, 2005), de nuevo en la animación, y la mencionada Sweeney Todd (Sweeney Todd. The demon barber of Fleet Street, 2007), con la que ha estado nominado, por primera vez, al Globo de Oro (nunca lo ha estado al Oscar… cosas de la Academia).

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En 1914 nos encontramos con el cruel comienzo de la modernidad. Películas como Yo acuso (J’accuse 1918) de Abel Gance es buena muestra de ello. Se filma durante el mismo conflicto bélico (1ª Guerra Mundial). Abel Gance mezcla más que nunca realidad y ficción. Realidad y ficción de una guerra que sentó las bases de la brutalización de la política. La primera guerra mundial es un fenómeno de masas. Con J’accusse se quiso dar entrada en el discurso histórico la experiencia vivida en la guerra. No el factor político o bélico, sino el humano. Estamos hablando de la época de los auges de los fascismos, su propio nacimiento marca el final de la primera gran guerra.

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“O César o nada.

Emperador del mundo. Mi mundo”

Es imposible comprender el nacimiento, evolución, y consolidación del cine del siglo XX, sin acercarse a una de sus principales figuras: Charles Chaplin, el primer genio de la historia del cine, junto a D.W. Griffith, Buster Keaton, o Murnau. Todos ellos fueron los responsables de que aquel diabólico invento de los hermanos Lumiére, la fotografía en movimiento, se consolidara como la nueva y masiva industria de entretenimiento, y se convirtiera en un nuevo arte.

Charles Spencer Chaplin nació en Inglaterra en 1889, dentro de una familia de actores de vodevil que, pronto, acabaron sumidos en la pobreza. La salvación de Chaplin llegó también con el teatro, con el que llegó a hacerse bastante famoso. Fue en una gira por Estados Unidos iniciada en 1910, cuando Hollywood, ávido y necesitado de nuevos talentos, llamó a su puerta. Entre 1913 y 1922 intervino en 73 cortometrajes (el formato normal de la comedia en aquellos años, entre diez y treinta minutos), la práctica totalidad de los cuales dirigió desde 1914. En 1921 era ya la más grande estrella del cine, conocido en todo el mundo gracias al personaje que interpretaba en sus filmes, el famosísimo vagabundo, con su pequeño bombín, su chaleco estrecho, sus zapatos enormes, su ligero bastón de bambú, y el gracioso bigotito que separaba a Chaplin de su vagabundo, conocido en Europa como Charlot. Fue cuanto menos, curioso: Chaplin, que se había criado en la pobreza, se hizo millonario interpretando a un vagabundo. En 1921 realizó su primer largometraje, y su primera obra maestra: El chico (The kid), a la que seguirían Una mujer de París (A woman of Paris, 1923), su primer drama; La quimera del oro (The golden rush, 1925), el film por el que siempre dijo que quería ser recordado, y la divertida El circo (The circus). Ésta última fue realizada en 1928, en los albores del cine sonoro, nacido un año antes con El cantante de jazz, y que supuso una revolución total en el cine. Pero Chaplin no creía en el sonoro, consideraba que rompía la esencia misma del cine (en parte, llevaba razón), y aún realizó dos películas mudas más, acaso sus dos mejores películas: Luces de la ciudad (City lights, 1931), y Tiempos modernos (Modern times, 1936).

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“Ser o no ser; ésta es la cuestión…”

Sí, lo reconozco: mi nueva propuesta no es nada fácil. Shakespeare. Teatro. ¡4 horas! Pero en mi ánimo y pretensión de presentaros siempre grandes películas de la historia del cine no podía dejar atrás esta absoluta maravilla, con la intención no sólo de intentar demostraros que de Shakespeare, ese escritor inglés muerto hace cuatrocientos años, han nacido estupendas películas (no en vano es el mejor guionista que ha habido nunca), sino también de acercaros a la figura de uno de los mejores directores de los 90, todavía hoy injustamente infravalorado: Kenneth Branagh. Hombre de teatro curtido en la Royal Shakespeare Company (casi nada), comparado con Laurence Olivier, saltó como él al cine dirigiendo, escribiendo, y protagonizando su primera película en 1989, una versión del Enrique V shakesperiano. Se ha acercado al mundo del bardo en cinco ocasiones más: Mucho ruido y pocas nueces (1993), En lo más crudo del crudo invierno (1995, no de Shakespeare, sino sobre una compañía de actores que va a representar un desastroso Hamlet), Hamlet de Kenneth Branagh (1996), Trabajos de amor perdidos (1999), y As you like it (2006). Pero no sólo de Shakespeare ha vivido Branagh, como demuestra Morir todavía (1991), un estupendo thriller y su primer film hollywoodiense, Los amigos de Peter (1992), intimista pieza de cámara sobre la amistad y el amor, la muy criticada pero excelente Frankenstein de Mary Shelley (1994), y, en este recién acabado 2007, la espectacular La flauta mágica, adaptación de la ópera de Mozart, y el muy interesante remake de La huella. Como veis, una carrera breve pero de lo más ecléctica. Lástima que la divertida Trabajos de amor perdidos fuera un fracaso absoluto de crítica y público, porque Branagh ha estado siete años sin dirigir. Ahora parece volver a la carga, y aunque ni La flauta mágica ni La huella han sido éxitos (sin mencionar que As you like it sólo ha sido estrenada en Italia…), demuestran que Branagh no ha perdido su excelente pulso como narrador y director.
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“¡Y cómo alguno de vosotros, jodidos capullos, se mueva, me cago en la leche, me pienso cargar hasta el último de vosotros!”

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Ernst Lubitsch, 1939

Estamos ante una película dirigida por el maestro Lubitsch y escrita en parte por B.Wilder, gran director y guionista que en estos turbulentos momentos de 1939 aún se encontraría en formación. Ninotchka es esencialmente un largometraje que trata el dualismo entre capitalismo y comunismo. Si observamos la película podemos ver fácilmente y en su superficie una crítica más feroz hacia el comunismo, saliendo momentáneamente ganador el capitalismo. ¡Claro!, es una ”peli” sostenida bajo el dinero ”hollywoodiense” americano; capitalismo puro y duro. El capitalismo no podía mostrarse como una lacra o atraso desde el punto de vista ideológico cuando esta obra esta sustentada por dinero americano. Pero efectivamente, si esto fuera así, esto sería un análisis muy plano y Lubitsch y Wilder van más allá. Durante el primer visionado se pueden apreciar muchos detalles que van en contra del comunismo y algunos detalles que ridiculizan el capitalismo. Hay diferencias entre ir en contra y ridiculizar, y esta diferencia la iré dejando muy clara.

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