Ernst Lubitsch, 1939

Estamos ante una película dirigida por el maestro Lubitsch y escrita en parte por B.Wilder, gran director y guionista que en estos turbulentos momentos de 1939 aún se encontraría en formación. Ninotchka es esencialmente un largometraje que trata el dualismo entre capitalismo y comunismo. Si observamos la película podemos ver fácilmente y en su superficie una crítica más feroz hacia el comunismo, saliendo momentáneamente ganador el capitalismo. ¡Claro!, es una ”peli” sostenida bajo el dinero ”hollywoodiense” americano; capitalismo puro y duro. El capitalismo no podía mostrarse como una lacra o atraso desde el punto de vista ideológico cuando esta obra esta sustentada por dinero americano. Pero efectivamente, si esto fuera así, esto sería un análisis muy plano y Lubitsch y Wilder van más allá. Durante el primer visionado se pueden apreciar muchos detalles que van en contra del comunismo y algunos detalles que ridiculizan el capitalismo. Hay diferencias entre ir en contra y ridiculizar, y esta diferencia la iré dejando muy clara.

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“La bondad y la maldad nacen con nosotros. La bondad se escoge. Si el hombre no escoge, deja de ser hombre.”

Hay películas que, hoy por hoy, independientemente de cómo las juzguemos, están por encima del bien y del mal, importa poco que gusten o no. Son ya míticas. Constituyen en sí mismas un universo propio, tienen su mitología particular, una iconografía reconocible en todas partes y venerada por muchos. La naranja mecánica es uno de los mejores ejemplos que se me ocurren. Paradigma del tipo de film que amas u odias (como casi toda la filmografía de Stanley Kubrick), sus valores cinematográficos han sido en la actualidad injustamente relegados, si no olvidados, en favor de la mitología que ha generado. Algunas de sus imágenes forman parte del imaginario colectivo de varias generaciones, y dudo que haya una persona en este mundo que no sepa reconocer de dónde proviene el típico atuendo blanco, el bastón, el bombín negro, y las pestañas postizas que haya podido ver en los montones de homenajes que se le han hecho a la película (a Los Simpson me remito). Pero por encima de todo eso, La naranja mecánica es un películón, una obra maestra bestial, impactante y arrolladora.

¿El mejor film de Kubrick? Difícil pregunta. Cada uno que responda lo que quiera. Y es que aunque sólo dirigió doce largometrajes en más de cuarenta años de carrera, no nos lo pone nada fácil. En 1971 ya era todo un nombre en el mundo del cine, desde que en 1955 apuntara maneras en el cine negro con Atraco perfecto (origen del Reservoir Dogs de Tarantino), para despuntar definitivamente en 1957 al dirigir la mejor película antibélica de la historia, Senderos de gloria. Luego llenó de violencia y realismo el cine de romanos con Espartaco (1960), se atrevió con la adaptación de una novela prohibida, Lolita (1962), demostró que la mejor manera de enfrentarse a la guerra fría era burlándose de ella con ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (1964), y reinventó la ciencia-ficción, llevándola a una madurez nunca superada, con 2001. Una odisea del espacio (1968). Siempre un director polémico, siempre audaz, odiado y amado a partes iguales, todavía sorprendió más al estrenar La naranja mecánica, que escandalizó en todo el mundo (en España no se estrenó hasta 1975). Después nos legaría Barry Lyndon (1975), su última obra maestra, El resplandor (1980), La chaqueta metálica (1987), y, póstumamente, Eyes wide shut (1999). Pero quizá nos podamos atrever a señalar La naranja mecánica como su, si no mejor film, su trabajo más representativo, ya que reúne en él las constantes de la filmografía del director, como puedan ser la originalidad, el riesgo, la polémica. Y todo ello con la marca de la casa, el sello Kubrick: imágenes impactantes, largos planos-secuencia, visión explícita de la violencia y el sexo, y un uso exquisito, soberbio, de la música.

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“Verán, tengo un pequeño problema con mi apartamento…”

Os he hablado de la película que, en casi todos los ránkings, encabeza la lista de las mejores películas; Ciudadano Kane. También de otra que suele seguirla y que para muchas generaciones debería ocupar ese puesto; El Padrino. Pues bien, ahora toca hablar de mi película favorita, un film que ya no sé cuántas veces he visto, y que cada vez me parece mejor. Personalmente, en mi pódium particular repartiría el primer puesto, el number one, entre los dos filmes mencionados y esta inmensa maravilla que es El apartamento, de Billy Wilder. Probablemente, lo mejor de lo mejor que nos ha dado el cine clásico, y, por extensión, el cine en general.

Y es que Billy Wilder, como dijo Fernando Trueba, es Dios. Así de simple. Dios convertido en uno de los más grandes directores de todos los tiempos, con una carrera de más de cuarenta años, de la que podríamos sacar hasta una decena de obras maestras. Paradigma del cine clásico hollywoodiense, sobre todo entre los 40 y 60, este director, también productor y soberbio guionista, dominó todos los géneros: el bélico (Cinco tumbas a El Cairo, Traidor en el infierno), el cine negro (Perdición, Testigo de cargo), el drama (Días sin huella, El crepúsculo de los dioses, El gran carnaval), y sobre todo, la comedia, desde la puramente romántica (Sabrina, Ariane) a otra mucho más cínica, desencantada, terriblemente divertida (Con faldas y a lo loco, Uno, dos, tres, Irma la dulce, En bandeja de plata, La vida privada de Sherlock Holmes, Avanti!, Primera plana). Y entre todas ellas, la joya de una corona llena de piedras preciosas es sin duda El apartamento, probablemente la mejor comedia dramática jamás escrita.

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“Le haré una oferta que no podrá rechazar”

Ni ciudadanos Kanes ni leches. Para muchos, ésta es la mejor película de la Historia. Y los que lo decimos no lo hacemos porque tengamos miedo de despertarnos con la cabeza de un caballo entre nuestras sábanas, sino simplemente porque El Padrino es una película maravillosa, irrepetible, bestial. Una obra maestra de principio a fin, durante sus casi tres horas de metraje, que se disfrutan y paladean de una manera que ríase usted de los innovadores platos de nouvelle cuisine con salsa de gasoil y mousse de aire.

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“Rosebud…”

Aquí la tenéis. La que, según el prestigioso American Film Institute, es la mejor película de la Historia, año tras año, invariablemente. Ya sabemos que sobre gustos no hay nada escrito, y que nada es tan discutible como elegir la mejor película de todos los tiempos. Ahora bien, no seré yo quien le niegue al Ciudadano Kane de Orson Welles ese primer puesto, aunque eso sí, compartido con, al menos, una película más (de la que os hablaré en un próximo artículo). Y es que estamos ante, y eso sí que no se puede discutir, una de las cimas del Séptimo Arte, una auténtica obra maestra. Y me batiré en duelo con quien diga lo contrario.

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Iba a empezar la sección por las primeras películas que me sacaron de la mierda de siempre, El club de la Lucha y Snatch, esas películas que no salen por salir y que tienen algo que decir, me alejaron de creer que el que una película haya ganado varios oscars es un motivo para que me pueda gustar, porque yo no soy el que da los oscars yo escribo en Warclimb y ahora ha llegado el momento de repartir mis premios.

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Este es el trailer de la segunda parte de Hostel, dirigida por Eli Roth y que trata sobre la compra de seres humanos por parte de una especie de grupo secreto del este de Europa.

Tal día como hoy en 1963 nació Tarantino, así que con la excusa de su cumpleaños os presento los carteles de su nueva película, la nueva película que llevo esperando más de un año y que no iré a ver al cine.

Imágenes de GrindHouse

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GrindHouse pretende ser un homenaje a las dobles sesiones, con una película que consta de dos películas, Dead Proff y Planet Terror, entre ambas películas habrá un intermedio en el que se proyectarán anuncios falsos. En total la duración de la doble sesión se queda en tres horas y cinco minutos, estas películas no se hacen largas.

¿Y por qué no voy a ir? No voy porque Aurum ha decidido mutilar la película porque en Europa no estamos acostumbrado a las sesiones dobles… Creo que tampoco estamos acostumbrados a pagar 12€ por ver una película en un multicine, que no cine, un cine era ese lugar con una sala enorme, buen sonido y una pantalla que lo ocupaba todo.
Como aún no es del todo seguro que en España rompan la película le he enviado un mail a Aurum para preguntar:

Hola nieto soy Jeremías, tu abuelo, quería saber si vais a mutilar a Grindhouse, lo digo por poner la original a bajar del eMule o preparar los 12€ para invitar a tu abuela al cine

A pesar hacerme pasar por su abuelo para crear un vínculo afectivo y diferenciar mi email del resto de amenazas no me han contestado. Quizás sea porque no ha colado lo del abuelo, se me olvidó el descuento por pensionista al sumar las dos entradas al cine, se quedaría en 6€ los dos. No importa, antes me tiro un año ahorrando para un proyector que pagarle el doble a estos gorrones a Aurum.

12 angry men

Este filme, dirigido por Sydney Lumet y protagonizado por Henry Fonda, es una de las joyas del pasado. Es cine en estado puro. Se difiere claramente que es una obra teatral llevada a la gran pantalla.

Todo ocurre en un mismo escenario. La película trata sobre el juicio a un chico por un homicidio de primer grado. Es acusado de asesinar a su padre y el jurado tiene que decidir si es culpable o inocente. El sistema judicial Estadounidense deja en manos de un jurado la vida del muchacho ya que un homicidio de grado implica pena de muerte.

En la película es clarividente el rechazo a la pena de muerte y contiene una crítica sustanciosa al sistema judicial americano. Henry Fonda realiza una actuación estelar ya en su segunda etapa como actor, en la que vuelve a sus raíces (el teatro) y realiza un número más selecto de interpretaciones. Por otra parte, el director Sydney Lumet debuta con este magnífico filme. Lumet, aunque halla dirigido películas excepcionales como El prestamista (1964), Tarde de perros (1975), Veredicto final (1982) o Un lugar en ninguna parte (1988), 12 hombres sin piedad es su mejor película, y el trabajo perfecto para la segunda etapa de Henry Fonda. La última película dirigida por Lumet es Declaradme culpable (2006).

Ciertamente, cuando veo esta película de hace ya 50 años observo el cambio que existe desde la última vez que la visioné y me doy cuenta de los valores que transmite y lo bien protagonizada que está. Esto si que son interpretaciones de lujo. Los personajes son muy auténticos, cada uno en su papel y que decir de Henry Fonda. El que fuera amigo de John Ford, hizo uno de sus papeles perfectos ya en su madurez. Pocas veces se le ha visto en un papel como el que interpreta en 12 hombres sin piedad. Es un drama muy profundo en el que un mismo escenario juega un papel psicológico apabullante y refleja una lucha continua por la justicia, que en muchas ocasiones se hecha en falta en países como estados unidos. La crítica hacia el estado de derecho es severa.

También hay una clara crítica a la sociedad estadounidense del momento, que a menudo opta por no pensar y decir lo más fácil. Es un filme que invita al razonamiento y a la reflexión individual. Está cargada de elementos instructores y a quien no la halla visto le recomiendo que la vea. 12 hombres sin piedad es un ejemplo de que el cine ha ido perdiendo poco a poco su esencia y demuestra que no por poseer avances tecnológicos y un presupuesto elevado se va a conseguir hacer buen cine.