Love. -1967

¿Porque será que la mayoría de los discos que comento son de los 60?, y ¿porque será que un gran número de ellos son del 67? Igual es porque los 60 es la época musical más generosa que ha existido. Como todos sabréis, esta es la preciosa edad de la psicodelia en la que Beatles, Pink Floyd y compañía hacían las delicias de los más exigentes. Aquí estamos, esta vez con la maravillosa banda de Arthur Lee, que por cierto, es íntimo de Jimi Hendrix. Forever Changes es el tercer disco de la Banda californiana. Y es un disco perfecto, determinante para la historia del rock.

Los arreglos son magníficos y con canciones como: Alone again or, A House is not a Motel, Andmoreagain, The Red Telephone, Maybe The people would be the times or between clark and hilldale o You Set The Scene este disco se erige como una maravilla para la historia musical y para su propio estudio (el de la música). Las canciones que no he nombrado del disco (que son pocas) son igualmente geniales y el mejor complemento para las anteriores. El tema más popular del disco es Alone again or, pero personalmente me encanta A House is not a Motel, una canción con una fuerza desmesurada con fases frágiles en las que transmite más aún de lo que contiene debido a la presencia de Arthur Lee (vocalista, entre otras muchas cosas) y Bryan MacLean (vocalista y guitarrista). Y mención especial también a The Red Telephone, una creación del gran Arthur Lee que convirtió a esta canción en una de las imprescindibles en la historia de la música.

Por último, decir que Arthur Lee es uno de esos grandes genios como Syd Barrett, del que hablé en el anterior disco comentado. Son de esos que solo hay uno y que tienen otra forma de ver las cosas y de transmitirlas. Forever Changes es una obra maestra en la cual contempla a un brujo y ese brujo es Arthur Lee. Brujo porque nos hechiza, nos embruja, nos hipnotiza con su música que en este caso (Forever Changes) optó por el hechizo dulce, el acústico.

Empezamos con la nueva temporada de Discos en la Historia, y lo haremos con el primer disco de Pink Floyd, The Piper at the Gates of Dawn.

Pink Floyd – 1967

Este es el primer álbum de estudio de Pink Floyd, en el cual se encontraría el gran Syd Barrett (primer guitarrista de Pink Floyd). No dudaré en afirmar que el primer trabajo de los Londinenses es de los mejores de la historia y de que es PINK FLOYD en mayúsculas. Unos chicos que estudiaban arquitectura en Rojen Street decidieron juntarse con un tal Barrett, que concebía los sonidos de una manera muy especial mucho más allá de la música. Este primer álbum de Pink Floyd ha sido el punto de partida de la psicodelia y de los discos más influyentes junto al Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band, que curiosamente salieron al mismo tiempo. Lo cierto es que en este disco tiene Syd Barrett un protagonismo

absoluto, al contrario que en los posteriores a causa de problemas mentales del guitarrista, que finalmente tuvo que abandonar el grupo. Inmediatamente después R.Waters se erigió como nuevo líder de la banda, también otro genial músico que crearía joyas históricas como The Wall. La influencia por tanto de Barrett en este álbum es decisiva para su propia solución y también decisiva para la posterior fama de Pink Floyd como banda pionera en la psicodelia. No existirá jamás un disco parecido a The piper at the Gates of Dawn, es improbable e imposible. Yo apuesto a que muchas canciones están en parte improvisadas en la grabación.

La primera canción, Astronomy Domine es una maravilla psicodélico-espacial en la que domina la guitarra endiablada e imprevisible de Barrett y el bajo imprescindible de Waters. Luego, Lucifer Sam, Matilda Mother, Flaming, Pow R. Toc H., Take Up Thy Stethoscope And Walk, todas ellas obras maestras de la psicodelia con efectos sónicos inalienables y que contienen toques de teclado que recuerdan por momentos a Ray Manzarek (teclado de The Doors) en sus momentos más psicodélicos. Pero después de estos temas llega uno que para mi gusto sobresale del resto, ese tema es Interstellar Overdrive, es apabullante, lo es todo y no es nada, por momentos desapareces y te desvaneces y derrepente vuelves sobresaltado. Al rato pierde la estructura pero es bellísima, llega a tocar el cielo esta canción que probablemente venga de una improvisación en directo, no sabría exactamente como describir los nueve minutos y cuarenta y un segundos que dura esta maravilla. Posteriormente vendrá The Gnome, Chapter 24, Scarecrow y por último Bike, un tema que recordará y mucho a algún tema como Being for the Benefit of Mr. Kite! del ya nombrado disco de The Beatles.

Bike cerrará un LP memorable que será considerado como de los más influyentes de la historia. Y además este disco tiene un añadido especial y es que es el único que Barrett hizo en plenas condiciones físicas y mentales y gracias a él Pink Floyd es Pink Floyd. Barrett fue el detonante que hizo que Pink Floyd creara discos decisivos en la historia de la música como Wish You Were Here, Dark Side Of The Moon, Animals o The Wall entre otros muchos. Y es que Syd Barrett era un verdadero genio como compositor, guitarrista y persona, con una capacidad creativa asombrosa, y aunque David Gilmour fue muy eficaz en su trabajo supliendo a Barrett y compuso solos de guitarra memorables como el de Comfortably Numb, Syd Barrett siempre será Syd Barrett, un auténtico DIOS del rock-psicodélico, todo una institución musical que sirvió de ejemplo a muchos otros grupos y músicos.

Bob Dylan - 1965

Esta es la joya que os tenía preparada. No podía despedirme de esta primera temporada de ”Discos en la historia” sin comentar algún disco cumbre en la carrera de Bob Dylan. Por algo lo llaman el ”padre de la música”, pero eso os lo comentaré otro día.

1965, en esta decada dorada de los sesenta en la que brillaron The Beatles o PinkFloyd (a propósito de muchos otros grupos) sacó el maestro Bob Dylan este fundamental Highway 61 Revisited, un disco que marcaría una época en la historia de la música. En este disco nos encontraremos con el genial potencial lírico de Dylan y con letras de un contenido celestial. La música de Dylan esta sostenida por el teclado de Al Kooper y Paul Griffin y en este trabajo serán fundamentales.

De Like a rolling stone no hace falta decir nada, es una de las mejores canciones de la historia. La voz frágil y gangosa de Bob Dylan nos hace sentir una nostalgia sentimental fuera de lo común y el acompañamiento de guitarra y órgano hacen de esta canción una canción única. Temas como Tombstone Blues dejan ver el origen Folk de Dylan con algún que otro toque de Blues. It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry sigue la estela Folk-Rock de Dylan con solos de armónica genuina donde nos podemos imaginar en un bar americano de Minnesota. El tema posterior es From a Buick, cercano al blues y con una letra romántica en la que una fémina salva de todos los males a un hombre. Ballad of a Thin Man es una canción que no solo hay que escucharla, sino que hay que sentirla. Maravillosa es esta balada con la que Robert Allen Zimmerman, más conocido como Bob Dylan demuestra porque es un compositor superdotado varias veces nominado al premio nobel de la literatura. En Queen Jane Approximately el teclado tiene mucha presencia, y después de este tema pasamos al que da nombre al disco, Highway 61 revisited. Este tema muestra la música de Bob Dylan como si estuviese delante de un espejo, un auténtico temazo en el que una serie de efectos y la guitarra de Michael Bloomfield da nuevos y fabulosos matices al estilo del maestro. Just Like Tom Thumb’s Blues es un grandioso tema y Desolation Row es la mejor forma de acabar este inmenso trabajo del músico y personaje más influyente del siglo XX. Desolation Row marca las líneas maestras del siguiente e inconmensurable álbum de Bob Dylan, Blonde on Blonde.

Uno puede sacar la conclusión al escuchar este disco de que es uno de los mejores de la historia. El disco más importante de la carrera de uno de los personajes más influyentes hace por si solo que este disco sea también de los más influyentes. Eso es todo, hasta la próxima temporada que comenzará en Agosto. Os deseo unas merecidas vacaciones a todos.

Quedan pocos discos para cumplir el primer ciclo de ”discos en la historia” y que tanto he disfrutado comentándolos. Así, en warclimb, hemos comentado una serie de discos imprescindibles sin repetir grupo de música. Después de este magnífico disco de Camel, indiscutiblemente de los mejores, quedará un episodio y de los más grandes para poner el broche de oro a esta primera temporada de ”discos en la historia”. En la segunda temporada ya se empezarán a ver más discos de grupos ya comentados en la temporada anterior.

Camel – 1974

Camel es una banda de música y de ”músicos” que se formó oficialmente en 1971. En este mismo año los componentes serían: Peter Bardens (teclados), Doug Ferguson (bajo), Andy Ward (percusionista) y Andy Latimer (guitarra y voz). Mirage es su segundo trabajo y el más influyente e impactante. El estilo inconfundible de Camel es el Rock-Progresivo. Y dejaría bien marcado este estilo en la década de los 70.

Sonidos medievalistas, riffs sobrecogedores de la mano de Latimer y una gran base de teclado define el sonido de Mirage. El disco consta tan solo de cinco canciones pero es una obra maestra de principio a fin. Freefall es muy buen tema para comenzar Mirage con un insuperable Andy Latimer (guitarra y voz) y un Doug Ferguson (bajo) muy destacable. Supertwister es una canción de corte popular y medieval mediante la cual podremos viajar por paisajes sónicos inenarrables. Una dulce melodía en tono de marcha es la que nos transporta junto al sonido de una flauta mágica. Nimrodel, pieza fundamental en el LP. Es un auténtico pasaje que inicia con una marcha ”in crescendo” y que sufre un delicado corte melódico delicioso en el que Latimer y todos los componentes muestran todo un abanico musical único en el que se vislumbra la escucha de unos grandísimos músicos. Posteriormente escuchamos Earthrise, riffs maravillosos y teclado de fondo llenan la longitud del tema. Acabamos con Lady Fantasy, un gran conglomerado musical para poner fin a este más que mencionable álbum. Empieza con un solo pegadizo de guitarra que avisará con insistencia a los demás instrumentos para hacer de esta canción la más adecuada para terminar un trabajo ejecutado con una maestría y soberbia casi infinita.

El poder sónico y espacial de este disco influiría decisivamente en el devenir del Rock-Progresivo dando un gran empujón a grupos como Alan Parsons Proyect, Supertramp, Rainbow y actualmente ha dejado huella en grupos como Gerard, un grupo Nipón de rock progresivo de mucha calidad.

The Stooges – 1969

Álbum debut de Iggy Pop y ”los Stooges”. Este disco es la mayor influencia que recibieron grupos como The Ramones. Para estos, The Stooges eran uno de sus ídolos principales. Este trabajo es un disco de música de garage, sucia, con solos y sonidos que deshiniben a cualquiera. Fruto de esta crudeza sónica viene en parte por el uso de la fuzz guitar y del Wah-Wah. Este sonido lo dominaba a la perfección Ron Asheton, hermano del batería (Scott Asheton). Esta nombrada suciedad, la forma de ejecutar solos y la dejadez y pasotismo de Iggy al cantar dio mucho a la música. Sobretodo al inicio del Punk y a grupos de Rock independiente.

Otra de las peculiaridades era la puesta en escena de Iggy Pop. Se movía por todo el escenario tocando guitarras imaginarias, tirándose al público, se movía sin rumbo fijo y provocando acciones totalmente impredecibles. Todo esto hacía que ver un concierto de ”los Stooges” fuera toda una experiencia fuera de lo común. Los Ramones pronto se dieron cuenta de su directo en una época en la que si te gustaba The Stooges, eras muy raro.

Este disco tiene retazos psicodélicos combinados con toques orientales y obras maestras que parecen estar improvisadas en muchos casos y que no podéis seguir sin escucharlas.

1969, este es el primer tema, y una maravilla con toques sesenteros al máximo, con un ritmo y una pedalera asombrosa. Las distorsiones son ensordecedoras con un Wah Wah tremendo que nos acompaña hasta el final de la canción. La siguiente canción es I Wanna Be Your Dog, este es de mis favoritos y destaca por su toque garagero y dejado. Después de una eternidad con el mismo ritmo y sonido dejado de la mano de Dios aparece un solo cuando menos te lo esperas y lo recibes como un regalo divino. Luego llegaremos a una rareza, We Will Fall, durante toda la canción nos acompaña un coro que parece Gregoriano, combinado con un ritmo oriental y la voz de Iggy drogándote poco a poco, son unos diez minutos exactamente con el mismo ritmo, y si se escucha con mucha atención, puedes llegar a notar una sensación muy extraña que invade el cuerpo. Luego viene No Fun. A mi parecer, la canción más significativa de The Stooges. Resume a ”los Stooges” en unos cinco minutos. Sonido sucio, guitarra distorsionada, letra repetitiva y pegadiza con un ritmo pasota y un solo interminable y genial con la voz de Iggy Pop entonando diversos sonidos fónicos irreproducibles. Es la canción que mejor define al grupo. También tiene temas como Real Cool Time en el que bajo (Dave Alexander) y Wah Wah son los protagonistas. Empieza con un solo de guitarra y termina con este mismo solo, nunca descansa. Nos encontramos con temas como Ann en los que se vislumbra el amplio registro de este grupo. Es como una mezcla entre una canción de Bob Dylan y el gran Elvis, pero con una gran diferencia, la distorsión y la dejadez de Iggy. Seguimos con Not Right, un tema muy potente que sigue con la filosofía de solos y distorsión. El solo del final es sensacional. Por último escuchamos Little Doll. Little Doll es una canción que sigue en la misma línea que las típicas de ”los Stooges” pero ralentizada. Yo creo que para Iggy y su grupo la improvisación y la genialidad jugaban un papel muy importante.

Por último, decir, que este disco es uno de los discos más importantes de la historia por todo lo que ofreció a la música y por su delirante estilo que cautivó a todos los que se dejaban drogar por la música.

AC/DC – 1977

Seguimos con esta maravilla de disco lleno de fuerza. Es de finales de los 70, un año justo después del último disco comentado, el primero de los Ramones. Este es el cuarto trabajo de los de Australia y atesora un chorro a raudales de Rock ‘N Roll. Mucha gente dice que la música de ACDC es Heavy Metal o rock duro pero lo cierto es que yo creo que es ROCK ‘N ROLL con mayúsculas. Una de las principales influencias musicales de ACDC es el Blues. Cuando uno escucha el Jailbreak se puede dar cuenta de este inicio bluesero. Y los matices de rock n roll están más que claros. Tengo conocimiento de que habrán muchas opiniones exponiendo que el Highway to Hell o el Back in Black son mejores. Lo cierto es que a mí me encanta este disco de ACDC y lo encuentro indispensable para comprender su música.

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Ramones - 1976

Este disco de los de Queens es sin duda de los mejores en la historia de la música. Sobretodo es uno de los más influyentes si no el que más. Fue un álbum totalmente revolucionario en una época en la que se esbozaba que el rock y la música en general estaba muriendo. Pues bien, los Ramones dieron un giro a esta delicada situación en el mundo musical. Con una música ruidosa, sencilla y cañera consiguieron habrir un nuevo campo, el del Punk-Rock. Ellos son los verdaderos buques insignia del Punk.

En el barrio Neoyorquino de Queens se forjó esta mítica banda que en un principio eran incapaces de verse triunfando. Eran un grupo de gente muy distinta y se compraron un día la guitarra, el bajo y la batería y al día siguiente ya estaban ensayando en el local de arte de la madre de Johey (vocalista). Dee Dee (bajo) fue el gran compositor del grupo, y el ritmo que imponía Tommy (batería) era frenético. Posiblemente este era uno de los secretos del sonido de los Ramones junto a la guitarra de Johnny (guitarra). El ritmo de la batería era la base, junto a la sencillez de las letras con el sentimiento que transmitían. Este álbum fue el primero del grupo, y aunque personalmente considere Road to Ruin como mejor musicalmente hablando, el primero fue el más revolucionario y el más Ramonero.

Blitzkrieg Bop es la primera canción del disco y una de las canciones más famosas del grupo. Luego, temas como Beat on the Brat, Now I Wanna Sniff Some Glue o Havana Affair dan personalidad al mismo. Y me dejo dos temas que son mis favoritos y sobretodo, tienen un valor sentimental muy alto como Judy is a Punk, que fue la primera canción que ensayaron y que a partir de ese momento supieron que música tenían que hacer, y 53rd & 3rd , compuesta por Dee Dee con una curiosa letra.

El estilo de los Ramones esta muy influenciado por grupos como The Stoogges o New York Dolls. Es mencionable el hecho de que no utilizaran para sus canciones más de tres acordes o que la duración de sus canciones fuera tan corta. Si en estudio no llegan a tres o dos minutos y medio, imaginaros en concierto, Judy is a Punk puede durar entre un minuto o minuto y medio. Esto es debido a su peculiar estilo que marcaría un puñado de tendencias musicales con su aceleramiento del ritmo. Sin duda, Ramones es una joya y los Ramones, una de las bandas más influyentes del rock y de las mejores que han existido.

The Beatles (1967)

Es el octavo disco de The Beatles y a mi juicio, el mejor sin lugar ha ninguna duda. Es una maravilla y si siempre estamos hablando de la influencia de los discos en la sociedad y en la música en general, este ”Sgt. Pepper’s” lo es mucho más de lo que pueden ser otros discos que tengamos en mente. Se podría comparar en influencia al primer disco de The Ramones o al Dark Side Of The Moon de Pink Floyd. Supuso un gran impacto y pertenece a ese selecto número de discos que se encuentran en la auténtica cúspide. En el Olimpo de los dioses. Toda la música en conjunto es perfecta, los efectos de los animales… Es un disco con claros retazos psicodélicos y cada canción tiene lazo con la siguiente, siendo de los primeros discos que se grabaron de esta forma, el primero que yo pueda recordar.

La manera de comenzar el álbum es arrolladora con la canción que da título al disco, o la séptima canción del álbum (mi favorita) Being for the Benefit of Mr. Kite!, con psicodelia pura estilo Syd Barrett y con melodías hipnotizantes propias de un circo. El disco en su totalidad es como si fuera una obra literaria pues me atrevería a describirlo como un álbum con ”introducción, nudo y desenlace”, todo perfectamente encajado. Los cambios de ritmo de esta obra están sumamente cuidados y si tuviera que destacaros alguna canción en concreto no podría hacerlo porque esta exquisitez hay que escucharla entera y conforme más la escuchéis, más estaréis acostumbrando a vuestros oídos y sensaciones el manjar más delicioso jamás probado. Es un disco que es capaz de drogar a más de uno. Creo que los Beatles siguieron una evolución que desembocó en este disco y que no es por mera casualidad. Y hay un dato bastante curioso y es que ”Sgt. Pepper’s” coincide en fecha con The Piper at the Gates of Dawn, primer disco de Pink Floyd. Y casualmente son dos discos que relaciono por considerarlos muy parecidos el uno del otro.

Se perfectamente que hay mucha gente que esto no lo comparte. Pero realmente imagino a Syd Barrett tocando cualquier canción del Sgt. Pepper’s, e incluso también vislumbro a los componentes de los Beatles y Pink Floyd totalmente mezclados interpretando los dos discos. Por último, decir que existe en este álbum una ejecución perfecta de las voces, y participan todos los componentes de los Beatles (Ringo, Harrison, Lennon y Mc Cartney) en esta faceta.

Este disco, el primero de The Doors y Jim Morrison como estrella es sin duda uno de los mejores y más influyentes de la historia de la música. Y no solo por la música sino también por la innovación que supuso este curioso estilo. La voz de Morrison marcó una tendencia que muchos grupos la tienen hoy de referencia. El sonido del órgano es fundamental para esta banda y sobretodo para este álbum. Es de mención el hecho de que algunas veces y sobretodo al principio, The Doors emulara el sonido del bajo con el órgano.

El grupo lo formaron dos personas. Jim Morrison (vocalista) y Ray Manzarek (teclado). Y sucedió a iniciativa de Manzarek. Un día sin conocer de casi nada a Morrison, estuvieron los dos por casualidad paseando por la playa y hablando de música y Manzarek le comentó su interés por formar un grupo. Entonces le dijo a Jim que cantara algo, y canto algo muy sencillo relacionado con una chica de color que paseaba por la playa en ese momento. Cuando cantó, Manzarek lo quiso para el grupo y así se formó. Luego llegaría Krieger (guitarra) y John Densmore (batería). El primer álbum de ”los Doors” contiene un alto contenido retro hasta para la época en la que se encontraban. Canciones como Alabama Song indican lo que acabo de mencionar, o The End, el genial tema con el que acaba el disco y algunos de sus conciertos. En una época donde los Rolling ya se encontraban consolidados al igual que The Beatles y comenzaban grupos como Pink Floyd con Syd Barrett, este estilo que impusieron los Doors dejaba claro que esta era es de las mejores de la música y que esta se encontraba en plenitud artística y creativa.

Personalmente las canciones que más me gustan a mí son Break on Through (To The Other Side) y Light My Fire. Estos dos sencillos son magníficos. El primero que he nombrado transmite mucha fuerza y un sonido que transmite algo sucio y seco al mismo tiempo. Es un tema con mucha fuerza y que sin duda, en concierto es mucho mejor. Light My Fire es un tema muy diferente al que acabo de comentar aunque es de mis favoritos de los Doors. En directo, Light my Fire es como LSD en estado puro para Hendrix. Es muy bueno el solo interminable y de pronto la voz desgarradora de Jim Morrison. En mi opinión The Doors gana mucho en concierto y eso puede ser debido a que su música requiere unas grandes dosis de inventiva, claro está que estos genios la tenían. Me gustaría recalcar de nuevo el hecho de que este grupo comenzara sin bajo, simplemente con el órgano.

Y también como conclusión quisiera decir que el órgano y la voz es fundamental para el sonido de esta banda. Y por ello Jim Morrison y Ray Manzarek son la base. Habrá mucha gente que no le guste este grupo y es respetable, ahora, lo que es innegable es su importancia para la historia de la música y su propio devenir. Por último, darle un pequeño homenaje a Jim Morrison, un artista no reconocido en muchas ocasiones, muchas veces debido a su mal comportamiento con la prensa o sus polémicos y obscenos espectáculos en directo. No por ello hay que juzgar ni a su persona ni al músico.