Cream 1967

Segundo álbum de Cream, una de las bandas más influyentes de los 60 y de la música en general. Aquella banda la formaban: Eric Clapton (vocalista y guitarrista), Jack Bruce (cantante y bajista) y Ginger Baker (batería). Un trío superdotado que pronto, con su primer disco (Fresh Cream, 1966) causarían gran expectación, y con su segundo y más brillante (Disraeli Gears) dejarían boquiabiertos hasta a los más escépticos. Cream, y en mi opinión Disraeli Gears, supuso innovación. El blues psicodélico cubierto con un manto de rock retazado con acordes y ritmos folk y pop fue lo que inyectaron en el mundo musical. Este disco, Disraeli Gears, procede de un año dulce para la historia de la música y que hemos hecho referencia en muchas ocasiones, 1967. Era la época en la que The Beatles, The Doors, Pink Floyd, The Who, Love e innumerables grupos de música sacaron lo mejor de si mismos. El disco que aquí se va a comentar bien merece un puesto entre los mejores y más influyentes discos en toda la historia. Hablamos de la ”cream de la cream”, hablamos de Disraeli Gears.

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El sábado 15 de Marzo tuvo lugar en KCH (Dolores), un concierto de Palanca y cambio con motivo del tercer aniversario del pub-cafetería que comanda José Eulogio. Los componentes de este magnífico grupo, que se dedica sobre todo a covers pop-rock, son cinco: Tommy López (batería), Erik Bergamaschi (teclista), Roberto Fassani (guitarra y voz) y un saxofonista y un bajista. Este último sustituyó al bajista habitual del grupo (Andrea Lloret Fernández). Palanca y cambio, por lo que pude observar, es un grupo generoso, ya que nos regaló unas dos horas de buena música. Tocaron canciones de Coldplay, U2, Pink Floyd, Bon Jovi, Snow Patrol, Credence Clearwater Revival, The Police… Decir que la calidad de esta banda de covers es sobresaliente, dándole un toque de jazz-blues a todas las canciones gracias a la participación inconmensurable del saxofonista.
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The Velvet Underground -1967-

Después del famoso The Velvet Underground & Nico (1966), la banda neoyorquina trabajó, ya sin Andy Warhol (manager) y Nico (cantante germana), en White Light/White Heat. Este álbum de The Velvet Underground es en el que se nota más la influencia de John Cale (tocaba el bajo, la viola eléctrica y el teclado, entre otras cosas). El Galés fue junto a Lou Redd, el responsable de la introducción de The Velvet Underground en los 60 y estuvo un poco tapado en el disco anterior (The Velvet Underground & Nico) por la presencia de Andy Warhol y Nico. Se podría decir que J. Cale fue el protagonista en este disco de 1967 por delante de Lou Reed, que no aguantaría mucho más este protagonismo de Cale. White Light/White Heat y The Velvet Underground han sido uno de los discos y una de las bandas más influyentes en el siglo XX. Por lo tanto estamos hablando de un disco histórico, que estuvo apoyado por Tom Wilson (productor de artistas como Bob Dylan y Franz Zappa).

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He decidido recopilar en cuatro discos toda la obra de Pink Floyd. Esta tarea, que os puede resultar muy fácil, no lo es. La idea llevaba rondándome por la cabeza varios meses. Siempre había pensado en como resumir todo el concepto de Pink Floyd, completo, desde el primer disco (The Piper At The Gates Of Dawn, 1967) hasta el último (The Division Bell, 1994). Me parecía muy interesante reflejar en este disco las cuatro fases humanas (nacimiento, juventud, madurez, vejez). Y creo que en estos cuatro recopilatorios que resumen a Pink Floyd, se puede observar la evolución de una de las mejores bandas de música en la historia. Dicha evolución va desde la psicodelia pura hasta el rock sinfónico, cuyos límites representan el primero y último disco de estudio de Pink Floyd, y cuya mezcla nos ha dado discos como The Dark Side Of The Moon (1973), Wish You Were Here (1975) o Animals (1977). Tengo que decir que he escuchado estas últimas semanas todos y cada uno de los discos de Pink Floyd para realizar este trabajo. Y hace poco decidí escuchar todos los discos en un mismo día, tomando apuntes, volviendo ha escuchar varias canciones… Las canciones de las cuatro obras están ordenadas cronológicamente, y las canciones de un mismo disco siguen el orden natural del disco. Como podéis imaginar, me lo pasé muy bien ese día, que lo dediqué enteramente a Pink Floyd.

Tras el salto os dejo apuntados los cuatro discos y su contenido.

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13 de Febrero de 2008

Cuando José Carlos me comentó que The Pink Tones actuaban en el Teatro de la CAM cultural de Alicante, supe que tenía que ir. Había oído hablar de algunos grupos que tocan canciones de Pink Floyd en directo. Y conocía vagamente la existencia de ”The Pink Tones”. Pero ciertamente, desconocía musicalmente a este grupo. José Carlos sacó una entrada para él, y otra para mí, cosa que agradezco, ya que poco después no quedaban entradas. Os cuento, resulta que el concierto era misteriosamente gratis. Simplemente había que llamar por teléfono a Servicam y reservar como mucho dos entradas por cada DNI. Una vez con las entradas en la mano, decidimos, unos días más tarde, y con la intención de reservar más entradas para unos colegas, llamar a Servicam para ver si quedaban más. No quedaban. Lo cual, directamente nos valió para no avisar a nadie, pues si ya no quedaban entradas carecía de sentido avisar.

La simple idea de escuchar canciones de Pink Floyd en directo y vivir un espectáculo de luces semejante al de los conciertos de la genial banda británica, ya es motivo suficiente como para no perderse tal evento. Mis expectativas no eran ni bajas ni altas, ya que entiendo perfectamente que no se ejecute ni de manera semejante el sólo de Time, de Comfortably Nnumb, o el ritmo indescriptible de canciones como Echoes o Atom Heart Mother. Pero una vez me acomodé en la butaca y comenzó el espectáculo, me prometí que lo que iba a observar no era cualquier ”cover” de Pink Floyd. Las luces típicas de la gira P.U.L.S.E se unían a las típicas de los directos de Pink Floyd en el pub UFO en 1967. Take It Back, del último disco de Pink Floyd (The Division Bell, 1994), se mezclaba con Time, del disco The Dark Side Of The Moon (1973). Pero no sólo eso, sino que a temas como Dogs, del disco Animals (1977), se entrelazaban temas como Atom Heart Mother, del disco Atom Heart Mother (1970). Y así, deleitando, se sucedieron una tras otra las canciones. Tocaron las dos partes seguidas de Shine On Your Crazy Diamond (uniendo la primera y la última pieza del disco Wish You Were Here (1975).

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Bruce Springsteen & The E Street Band – 2007 -

Hace poco comenté el nuevo disco de Radiohead (In Rainbows), y ya dije que junto a lo nuevo de Radiohead, este año lo más destacable de momento era Magic, de Bruce Springsteen & The E Street Band. Este disco de Bruce es un muy buen disco, cosa que no es rara tratándose de ”The Boss”. Después de The Rising, Bruce no ha vuelto con su banda hasta ahora, que lo a hecho con más fuerza que nunca. Magic es un buen ejemplo de que no tiene por qué hacerse un disco malo en los tiempos que corren, es un ejemplo de que no todos los artistas se están pudriendo, y deja un atisbo de esperanza en el que se puede intuir un empujoncito de la música de calidad que por lo menos haga tropezarse durante un tiempo a la música basura que se acostumbra oír hoy en día.

Magic es un disco de Bruce con la E Street Band. Eso es algo que se nota nada más escuchar la primera canción, ”Radio Nowhere”. Es una canción fuerte, con un rift potente y pegadizo y un gran solo de saxo de Clarence Clemonds. ”You’ll Be Comin’ Down” es un buen tema, pero a destacar ”Livin’ In The Future”, canción irónica en la que se hace hincapié ”en la pérdida de derechos civiles y las guerras innecesarias e ilegales”, como bien dijo Bruce en el concierto en Madrid de la gira de presentación de su nuevo disco, Magic. ”Livin’ In The Future” contiene buenos toques de guitarra y es una canción que como prácticamente todas las del disco, participa toda la banda. Después de ”Your Own Worst Enemy” nos encontramos con ”Gypsy Biker”, cuya melodía se va mezclando con el sonido del violín, y más adelante junto a la voz de Bruce escuchamos un solo de guitarra con distorsión que se repite con más fuerza e intensidad hacia el final de la pista. La música en su conjunto, y la lírica, hacen de ”Gypsy Biker” una de los mejores temas del disco. Luego, ”Girls In Their Summer Clothes” tiene un corte muy E Street Band pero con aires renovados. ”I’ll Work For Your Love” contiene reminiscencias del tercer álbum ”del jefe” Born To Run, que empieza con un piano solitario y luego se van sumando sonidos procedentes de todos los instrumentos de la banda. Y atención, que llega ”Magic”. Son dos minutos y cuarenta y cinco segundos de pura ”magia”. En este tiempo la música se eleva hacia el cielo y nos concede lo que necesitamos, música y magia. Con instrumentos prohibidos, un violín y la voz de Bruce nos sobra. Magic es una de las mejores canciones de la carrera de Bruce Springsteen, es impresionante. Después de este arengo de música escuchamos ”Last To Die”, potente y exquisita, aunque más exquisita me parece ”Long Walk Home”, que nos envuelve para que a mitad de canción nos sorprendamos con un cambio que impone garra. Este cambio lo impone un solo de Bruce con la telecaster que nos quita el hipo, pero es que al solo de guitarra de Bruce se le une el solo de Saxo de Clarence Clemonds, para luego retomar el tema por donde lo dejó y terminar con otro solo del maestro Clemonds. Lo último que vamos a escuchar y que pone fin al disco es ”Devil’s Arcade”, un tema reflexivo, en el que el violín nos dice mucho y Bruce nos cuenta lo que quiere con un fondo de guitarra distorsionada que va tomando cada vez más forma, va erigiéndose poco a poco hasta que la guitarra se coloca en lo más alto, en un lugar privilegiado.

Extraordinario el nuevo disco de Bruce con su banda, y buenísima noticia que siga en forma, aunque eso ni se discute. Bruce no ha demostrado nada con este disco porque no tiene nada que demostrar. Aunque pensándolo bien, Bruce si que nos demuestra algo, lo de siempre: que no baja el listón, que tiene los pies en la tierra, que se debe a su público y que es un auténtico currante de este mundillo que es la música, que necesita de discos como Magic para ir recuperándose.

The Who 1973

Quadrophenia es el sexto álbum de estudio de The Who. Después de joyas como Sell out (1967) o Tommy (1969), este disco no es más que otro motivo para comprender que este grupo es uno de los mejores en la historia, y uno de los más influyentes. Esta sexta obra de arte de The Who no es lo mejor del grupo británico, pero si uno de sus trabajos más emblemáticos. Como ya lo fue Tommy (1969), cuarto disco de The Who, Quadrophenia es otra ópera rock. Algunas canciones de este disco podemos escucharlas también en ”Quadrophenia”, el film de Franc Roddam de 1979.

Si algo tiene este disco es fuerza y calidad a raudales. No podemos ponerle ningún pero a los arreglos y a la voz de Roger Daltrey, que está impecable. Pero no sólo R. Daltrey, sino que la formación entera -Pete Townshend (guitarra y compositor), John Entwistlen (bajo) y Keith Moon (batería)- están igualmente geniales. Mencionar que Quadrophenia es un doble disco y que incluye un buen paquete de canciones.

El disco comienza con ”I Am The Sea”, en la cual podemos comprobar los extraordinarios efectos que emulan el sonido del mar. También escucharemos melodías suaves que sobre el minuto 2 retoma con ”The Real Me”. Se podría decir que estas dos primeras canciones son una. Es lo que tienen las óperas rock, todos los temas están unidos y todo el disco es una gran canción. La manera de comenzar con ”I Am The Sea” y ”The Real Me” es impresionante, y la guitarra de Pete Townshend se hace notar. Luego llega ”Quadrophenia”, una gran canción cuyo comienzo le valdría a Robbie Williams para su canción ”Let Me Entertain You”. ”Cut My Hair” es otro tema donde el piano y el teclado tienen protagonismo. ”The Punk And The Godfather”, ”I’m One” y ”The Dirty Jobs” van reforzando lo que escucharemos en ”Helpless Dancer”, un grandísima canción en la que el piano y la voz suben y bajan la tonalidad como quieren, la guitarra acústica se hace indispensable y además nos recuerda el comienzo del disco con retazos de la tercera canción ”Quadrophenia”. ”Is It In My Head?” y ”I’ve Had Enough” cierran el primer disco.

El segundo disco empieza con una de las mejores canciones del álbum, ”5:15”, de espléndido sonido, con sintetizadores, instrumentos de viento, coros, la arrolladora voz de R. Daltrey y un muy buen teclado. ”Sea And Sand” es de sonido dulce, tirando de acústica y eléctrica y con un solo de guitarra destacable. ”Drowned”, con toques psicodélicos de guitarra y ”Bell Boy”, que nos enseña como se graba en un estudio, anteceden a ”Doctor Jimmy”. ”Doctor Jimmy” es un punto de inflexión en este segundo disco. Comienza con efectos tipo ”I’am The Sea” y conforme vamos escuchando ”Doctor Jimmy” nos va sorprendiendo más: por su fuerza, por sus crescendos, por sus ”decrescendos” y por el ritmo que marca la batería de Keith Moon. Y es que este tema nos engancha de nuevo a la filosofía musical de este disco. Además de contener uno de los grandes minutos de la música en su totalidad. ”Doctor Jimmy” nos prepara y anuncia el final próximo de la obra. Supone el cambio, el cambio hacia ”The Rock”. Un bellísimo tema con una composición asombrosa por parte de Townshend. Composición que aplicaría a su guitarra y que nos muestra el sonido Quadrophenia. Espectacular ”The Rock”, que termina literalmente y musicalmente con una ”tormenta”, y que es la antesala de la canción que finaliza esta obra de arte, ”Love Reign O’er Me”. Increíble esta última canción que finiquita el disco. Empieza como acaba la anterior, con tormenta, luego un piano que atesora grandeza, y la voz de R. Daltrey, que no me cansaré de decirlo, es una de las mejores voces que halla parido el rock en toda su historia. ”Love Reign O’er Me” transmite todo el disco, todo lo escuchado hasta ahora.

Y que voy a decir, este disco empieza sentado, luego se levanta y camina, posteriormente empieza a correr, luego va parándose poco a poco, y con ”Love Reign O’er Me” se para definitivamente para contarnos lo que es la música, lo que es una ópera de rock, y lo que es un disco perfecto, que te puede gustar más o menos, pero que no se puede negar su inmensa calidad.

En el verano de 1988 Bruce paseaba por las calles de Copenhage cuando se detubo a escuchar a Jojo, un músico que en ese momento estaba tocando Drive de The Cars, le pidió una guitarra y ambos se pusieron a tocar frente a las personas que ya estaban escuchando a Jojo.

Cuando me he encontrado con el video en youtube no me lo he creido, no es algo que ocurra todos los dias, es como si estás jugando con una gameboy en un parque y se sienta Miyamoto a tu lado a hecharse unas partidas.

Tras tocar “I´m on fire” siguieron con “The River” y “Dancing in the dark”, lo podéis ver en el siguiente video:

Y podéis echarle un vistazo a la web de Jojo o leer la historia contada por el mismo en su perfil de youtube, en la que también cuenta como en 2005 donó la guitarra con la que tocó Bruce para ayudar a construir el Music Hall de Reykjavik.

Web de JoJo
Jojo en Youtube